La artesanía artística es hoy un nuevo campo de reflexión y experimentación. Centrada en la comunicación emocional, abierta al diálogo entre la habilidad manual y el uso de nuevas tecnologías e interesada tanto en el potencial expresivo de los nuevos materiales como en la reinterpretación de los tradicionales, se enmarca en un nuevo territorio de límites difusos entre el Arte y el Diseño que desde Espacio intermedio nos interesa explorar y visibilizar.
Con este objetivo, presentamos en esta exposición, una primera aproximación al panorama de la artesanía artística contemporánea en España a través del trabajo de un grupo de artistas-artesanos con obras, procesos y enfoques diversos, cuyos trabajos se enmarcan en este territorio indefinido entre la obra de arte y el objeto cotidiano.

(Proceso)
El trabajo artesanal implica un constante diálogo con el material. Los objetos no sólo adquieren su sentido a través de su uso. Tienen también una historia que nace de la propia historia del material y de su proceso de transformación.
Este proceso supone una continua búsqueda, un hacer para deshacer, una constante evolución desde la idea inicial que permite ir generando la obra a lo largo de su desarrollo, mientras se trabaja en ella.
Artistas como Ícaro Maiterena, ceramista, o Carmen M. Castañeda, artista visual y textil, centran su proceso creativo en la “acción” misma que tiene lugar.

Carmen M. Castañeda, especialista en bordado a mano de Alta Costura, ha convertido esta disciplina en la base de su lenguaje artístico. Entendiendo el bordado como la materia con la que experimentar y desde una perspectiva conceptual, su obra está marcada por la repetición del gesto de la aguja que rompe el silencio del lienzo.

Carmen M. Castañeda

(El material)
El material es capaz de transmitir, no sólo a través de sus cualidades físicas, sino también por su contenido cultural, social y político. Sus cualidades expresivas lo son tanto por su textura, color, olor, temperatura, densidad o apariencia como por lo que transmite respecto al lugar, a nuestra historia o al tiempo.
Tim Johnson y Elena Moreno inician sus procesos creativos recogiendo el material de la naturaleza. Sus trabajos están íntimamente ligados a los distintos ritmos de la misma y a los de las criaturas que la habitan: sembrar, regar, cosechar o nacimiento, vida y muerte.
Como resultado, obras compuestas por fragmentos, piezas semejantes que se suman, se entrelazan y superponen para crear distintas estructuras.

Elena Moreno

Conocer las técnicas artesanales y revisarlas en busca de nuevos lenguajes y aplicaciones,  permite la conservación de las tradiciones, las hace evolucionar y asegura su continuidad.
Es el caso del trabajo de  Irene G. Barrera que utiliza materiales y técnicas propias de la actividad cestera en un campo muy diferente como es el de la joyería. En sus obras, las fibras naturales se entrelazan y mezclan con otros materiales, dotándolas así de una nueva forma de expresión.

(Experimentación)
El joyero Edu Tarín reflexiona sobre lo que significa ser un artesano en el siglo XXI. Trabaja para adaptar un concepto tan ancestral como el de la talla de piedra a la contemporaneidad, indagando en los procesos e incorporando las nuevas tecnologías como una herramienta más de la creación. Su trabajo busca aportar una joyería culturalmente significativa acorde con nuestra época.

Experimentar aleatoriamente con los componentes de sílice, presentes en la cerámica y en el vidrio, encontrar puntos de equilibrio entre sus compuestos, sin pretender controlar el resultado sino dejándose llevar, centra el interés de la artista Rebeca Huerta en sus últimos trabajos.

«Sus obras van desde la opacidad de la pasta de vidrio, las texturas terrosas y ásperas de las fritas fundidas en molde, hasta la transparencia y la luz interior del vidrio fundido, siguiendo la tradición checa más elegante.»                        María Luisa Martínez

Soledad Santisteban y Mercedes Vicente son dos artistas-artesanas que llevan al límite las cualidades del material textil buscando nuevas expresiones del mismo. La primera, experta en conservación y restauración del patrimonio textil, dedica parte de su trabajo a investigar técnicas tradicionales para después reinterpretarlas. Sus esferas de fieltro, contenedores de vacío de apariencia fortuita, son el resultado de experimentar con la lana y con la técnica del fieltrado.
En contraposición, las espirales de Mercedes Vicente surgen desde el interior y van creciendo, siguiendo un orden, hasta generar una forma definida, buscada, que recuerda a elementos de la naturaleza. El material textil es tratado para dotarle de cualidades constructivas nuevas, con las que formar el esqueleto mismo de la obra.

Mercedes Vicente

(Memoria, tiempo)
La artesanía trabaja con materiales locales que reconocemos. Lleva implícita la experiencia de años de desarrollo que nos conecta con nuestro pasado, con nuestra memoria y hace que nuestro vínculo con la obra resultante sea mayor y más duradero. Nos permite recuperar la conciencia del tiempo, detenernos y reflexionar.
Luis Parades, artista plástico que trabaja la escultura en vidrio, reflexiona sobre la memoria del lugar en su serie “Historias Sumergidas”. Su propuesta es delicada y sugerente: contenedores de paisajes perdidos, mundos de ensueño o imaginados, tiempo detenido.

Sandra Moneny busca en el vidrio la expresión de lo íntimo, de lo vulnerable. En todos sus trabajos se adivina la obsesión por dar vida a este material artificial a través de la luz y volver a lo táctil, al cuerpo, a la presencia.
«El capricho de la plasticidad del vidrio, de sus curvas azarosas, de sus formas blandas, son todo un regalo para los sentidos.»
                                                                                                                                                                        María Luisa Martínez

(El objeto cotidiano)
El arte, el diseño y la artesanía se nutren, se complementan. La artesanía se apoya en el arte y en el diseño para evolucionar. Y el arte y el diseño encuentran en la artesanía nuevos caminos con los que transmitir emociones y códigos culturales, sociales y políticos.
Las obras de Unai Gabilondo a menudo recuerdan estructuras propias de los muebles que, al incorporar tratamientos artísticos, escultóricos y artesanales, adquieren una identidad propia. Las piezas navegan transversalmente entre la escultura, el diseño y la artesanía, resistiéndose a ser clasificadas según códigos cerrados. Su proceso creativo se centra en suprimir las fronteras entre las distintas disciplinas para permitir el diálogo entre ellas y fomentar la reflexión.

Álvaro Aramburu

También la obra del ceramista Juan Ortí, nace de la observación y transformación poética de los objetos que nos rodean. Sus piezas surgen de la investigación geométrica, de la simplicidad y de la búsqueda de lo esencial. En su trabajo, el interés por la forma predomina por encima de otras consideraciones como el material o el espacio.